Sin ánimo de equivocarnos, podemos decir que estamos ante el primer gran éxito de la temporada. El pistoletazo de salida a la temporada de los Teatros del Canal no podía ser más contundente, más demoledor, más actual, más necesario. Una descomunal propuesta que nos habla a las claras de todos los problemas que tenemos en nuestra sociedad machista. Nos habla de la necesidad de poner el foco en el consentimiento, pero también de lo pervertida que están las estructuras legales a la hora de enjuiciar un caso de presunta violación. Ni queriendo habrían podido programar este montaje en un momento más adecuado (aunque todos lo sean para reflexionar sobre la violencia machista y la permisividad de la justicia), en plena ola de repulsa al machismo por el caso Rubiales.
El pasado Martes 6 de Junio se presentó la nueva temporada de losTeatros del Canal, que contará con un total de 95 espectáculos que dibujan un mapa único de la escena actual nacional e internacional. Diversidad y eclecticismo son las pautas de la riqueza de la programación de la nueva temporada de Teatros del Canal, una programación integral que busca sorprender al neófito e interesar al experto sin dejar a nadie atrás. El centro de artes escénicas de la Comunidad de Madrid, que cumplirá el próximo año su quince aniversario, desarrollará una ambiciosa programación con 30 propuestas teatrales, 31 coreográficas, a las que sumar las 10 creaciones del Centro Coreográfico Canal, 22 musicales y otras 10 diversas disciplinas artísticas.
Anoche se entregaron los premios de la I Edición de los Premios Godot, en los que hemos tenido el honor de participar como jurado. La gala se celebró en los Teatros Luchana y fue un rotundo éxito, con un palmarés muy repartido que podéis conocer bajo estas líneas. Es un placer poder haber participado en esta iniciativa creada por la Revista Godot, que todos los meses podemos disfrutar en las salas madrileñas. Desde su compromiso con el teatro han creado estos premios que por su gran acogida, les auguramos una larga vida. Viva el Teatro, Viva la Revista Godot.
El poder de la palabra sirve para jalear a las masas, pero también para manipular o distorsionar la realidad. Es tan importante ser conscientes de lo importante que puede llegar a ser el discurso, como saber que sin él no podríamos comunicarnos, seríamos como una inmensa torre de Babel. Este montaje nos mete de lleno en un caótico viaje, en el que descubriremos el verdadero valor de las palabras, como pueden llegar a descomponernos y a cambiarnos, hasta convertirnos en seres diferentes. Una caída a los infiernos, al reseteo absoluto de la mente para volver a instalar aquello que nos quieren imponer. Debemos ser conscientes de lo valioso que es lo que decimos y de la forma en que lo transmitimos.
Todos somos unos principiantes en lo que al amor se refiere. Da lo mismo la de veces que nos hayamos enamorado, cada nueva experiencia es una aventura diferente, un descubrimiento, un camino que se abre ante nosotros y en el que todo es nuevo. ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor? Esta frase que se convierte en el leitmotiv de la obra, nos acompañará en el camino de vuelta a casa, en las tertulias en la puerta del teatro. Porque es una pregunta demasiado compleja, demasiado personal, profundamente emocional, por ello esta obra intenta acercarnos a ese profundo debate, desde una amigable charla entre amigos que conseguirá atraparnos desde el primer instante.
La nada como concepto vital, el
silencio, las cosas que nunca nos dijimos, transitar, pasar por la vida sin que
en ocasiones la vida pase por ti. Sueños e ilusiones frustrados por una
familia, por hacer lo correcto y no lo deseado, para que algún día al fin no
valga para nada, una vida perdida y no invertida, una odisea interior que
colapsa y se torna en caos intentando hacer en los últimos años lo que nunca
uno se atrevió, dejarlo todo y romper con nada, porque nada ni nadie pareció ver,
las renuncias, los anhelos y el tiempo perdido.
Asistimos en el Teatro María Guerrero, a “El Idiota”
una de las obras catalogadas como la mas brillante publicada por el autor ruso Fiódor
Dostoyevski. Pareciera como si toda la
obra estuviera impregnada de su vida y su ser, una vida convulsa y gris, siendo
testigo y víctima de la represión zarista, azotado por los males de la época,
transitando una vida oscura, que quizá nunca hubiera elegido, periodos oscuros,
macabros que le sacudirán de por vida en forma de ataques epilépticos, un hecho
que marcará por completo su obra hasta llegar a describir cada fase de la
enfermedad.
En
las siguientes líneas les contaremos como una obra de ochocientas páginas ha
sido versionada y reducida de un modo inigualable y magistral en un libreto de
dos horas, sin que increíblemente pierda un ápice de la esencia y el sentir del
autor. Tantas veces vimos los análisis del Don
Quijote ruso y quedamos maravillados al poder presenciarlo, verlo a tan solo unos
palmos de nuestras butacas, aquel al que todos toman por loco y de loco es el
mas cuerdo, el que sabe ver más allá de lo que otros ven, si bien con
características del todo mas profundas y existenciales.
Se
lo contamos.
El príncipe Myshkin de
Dostoievski es el último miembro de una familia noble y arruinada.
Padece, como el propio autor y como el Smerdiakov de los Karamázov,
ataques epilépticos. Sus pasiones son extremas, tiene una personalidad
angustiada y una ardiente necesidad de amor, posee un orgullo sin límites y se
deleita la mayoría de las veces en ser humillado. Infinitamente soberbio, se
complace en su propia superioridad y en la manifiesta indignidad de los demás.
Un personaje que en un primer momento nos situaba en una suerte de ascetismo,
hasta que entendimos que la falta de prejuicios morales impuestos, hacía que el
príncipe Myshkin quisiese a dos mujeres de modo completamente desigual, un ser
sin maldad incapaz de sentir odio y de conquistar el corazón de la gente que le
rodea.
No alcanzamos a imaginar
la labor de análisis, documentación, empatía y acercamiento que hay detrás del
trabajo de José Luis Collado en el que podemos catalogar como uno de sus mejores
trabajos. Mejor si cabe que Los hermanos Karamázov, inmerso en el universo Dostoyevski,
Collado ha sabido escoger los episodios
mas certeros no dejando escapar ni un solo detalle que desestructure o limite
la obra, ha situado perfectamente el contexto histórico,
enlazando a la perfección la trama que el autor quería contar sin dejar a un
lado la psicología de los personajes, sin prejuicio alguno pudiendo llegar al
ser mas profundo de todos ellos, sin que nada quede en la superficie. Ingredientes
y matices que hacen de esta una versión cum laude.
A
su lado, conjurando un tándem sublime Gerardo Vera dirige una puesta en
escena lúcida y ecléctica al mismo tiempo, las luces y sombras de la sociedad y
el alma, la negritud de una época, la crítica a una sociedad que destila hedor.
El propio Gerardo Vera contaba en una entrevista que se había basado en una
de las frases del personaje principal, quizá como aquellas que son un mantra en
la elaboración de un trabajo bien hecho “estoy fuera del mundo,
desterrado del mundo, si fuera posible desaparecer de aquí en un instante y
empezar una nueva vida, desearía que todos me olvidaran. Qué maravilla si no os
hubiera conocido, si todo esto no hubiera sido como un mal sueño” y pareciera efectivamente la piedra
angular que persigue al protagonista durante las dos horas aproximadas de
función cuando a su alrededor solo ve miseria humana, miseria en la mentes y
en los corazones.
Ambos se acompañan de un elenco que
nos sobrecoge y asombra a partes iguales.
Fernando Gil en una interpretación magistral del príncipe Myshkin, el actor
desplegará un arsenal de recursos que nos conducirán de la mano hasta lo mas
profundo de su ser, transmitiendo la inocencia, la desolación, la lucidez y
el hastío mas absoluto todo en un mismo personaje, todo de la mano de un solo
actor, es al acercarse al patio de butacas en una decisión muy bella que en
próximas líneas les contaremos, veremos su gesto, veremos verdad, debilidad y
lucha al mismo tiempo. Un personaje que no es nada, pero que no se rinde, de su
mano constante aunque no se encuentre
con él en escena, Marta Poveda.
Marta Poveda en el papel de Natasia que parece transitar como un fantasma en la cabeza de Myshkin, aparentemente fuerte, pero al albur de una sociedad y unos hombres que no la respetan y que no creen en ella, en una línea muy fina hacía el respeto a sí misma, pero que no acaba de concluir. Poveda realiza un bello trabajo de dicción y presencia escénica , tanto en los soliloquios como en los juegos dialecticos con su compañero de elenco Jorge Kent interpretando a Rogozhin, encaprichado de Natasia no dudará en dar toda su fortuna por ella, una suerte de ser delirante que nos llevará a la impotencia y la rabia en muchas de sus apariciones, a Kent le acompaña una voz y una presencia que llenará el escenario llegando a la última fila del patio de butacas, una bestia escénica que aplaudimos desde el primer al último minuto de su aparición.
Vicky Luengo y Yolanda Ulloa formaran una hermosa combinación, la madurez de la Generala (Yolanda Ulloa) y los celos y desdenes de Aglaya (Vicky Luengo), parecen formar un todo que compacta y hace mas grandes a ambos personajes.
Alejandro Chaparro, Abel Vitón, Ricardo Joven, Fernando Sainz de la Maza completan un elenco de personajes esenciales que dan sentido y dotan de rigor histórico y social a la puesta en escena.
El artista Lucian Freud será una
constante, presente a lo largo de la puesta en escena. Álvaro Luna ha conseguido poner sobre las tablas la dualidad de la que
les hablábamos antes, la lucidez y la visión que tiene el protagonista debido a
sus constantes ataques. Nos transmite como ve el mundo desde el juego
audiovisual, un trabajo indescriptible y meritorio, junto al trabajo de Juan Gómez-Cornejo que parece que nos sitúa
en una atmosfera demoníaca, extraña y superficial, generando una tensión en el
espectador, una mágica simbiosis entre lo que vemos y lo que sentimos. Es
maravilloso cuando los técnicos no infieren negritud a la tensión y al drama y
tiñen la escena de rojizos y claro oscuros. Disculpen el modo vulgar en contárselo,
a mí, me fascina, completando un equipo redondo Alejandro Andujar responsable de vestuario, de trajes que nos sitúan en
la época espectaculares y manejables al mismo tiempo, dejando sobre todo a las
actrices moverse con soltura en escena.
Mención especial a Ana Catalina Román en movimiento escénico,
que nos ha permitido ver a los personajes tan cerca, estábamos muy cerca de su
interior y poderlos apreciar tan cerca físicamente, fue todo un acierto.
Como pueden ver, si el príncipe Myshkin
se va con Natasia, si pierde o gana una fortuna, habrán convenido con nosotros,
que es interesante descubrirlo por ustedes mismos, pero que a su vez es solo
una parte mas de una de esas joyas que no se ven todos los días. Magnéticamente
recomendable.
