Si la sexta ola lo permite, comenzaremos el mes de Enero por todo lo alto en lo que a estrenos se refiere. Las tablas se llenarán de actores de renombre como Blanca Portillo, Javier Gutiérrez, Vicky Luengo, Israel Elejalde, Juana Acosta, Arturo Querejeta o Verónica Ronda. Veremos los nuevos espectáculos de Chevi Muraday y de Angélica Liddell, las nuevas propuestas de directores como Juan Mayorga, Andrés Lima, Carolina África, Helena Pimentao Paco Zaranda. A qué dan ganas de que se pasen ya las fiestas y comience el nuevo año? No gasten mucho en las rebajas que viene teatro del bueno en los próximos días.
Al entrar, al tomar asiento, unas
escalinatas marchitas, tonos grises en escena. La guerra, la ignominia de uno
contra todos, la desolación y la desesperanza que acaricia el alma y al
pueblo, cuando no existe forma humana de rebelarse contra el poder.
Numancia, una tragedia que reflexiona sobre los límites de la libertad humana,
individual y colectiva. Una expresión trágica de la
impotencia humana y su supeditación a las formas de poder, una tragedia
renacentista inspirada en la derrota de Numancia de las guerras celtíberas a
manos del poder romano en el siglo II a. C.
Es difícil deconstruir conceptos, aprehender y volver al origen de las
palabras, volver a la esencia y volcar nuestra concentración de para que fueron
construidas. Hemos deformado y pisoteado los conceptos. “El cerco de Numancia” es un fiel reflejo de esta insolencia. Nuevas
teorías que hablaban de “El miedo a la libertad”, donde el pueblo espera a ser
representado, en una suerte acomodaticia, donde se somete por el miedo a tomar las riendas de su propio
destino, y asumir errores. Volvemos a la libertad en tanto a pertenencia, a
formar parte de un grupo lejos de la petulancia individual y egoísta,
anteponiendo la soberbia de salvarme yo, frente al otro.
Es “Numancia”un espejo, de la realidad que era y sigue
impertérrita en el tiempo. El poder sigue constante, displicente, mientras
tanto la ciudadela cercada, es hoy un todo global tan deslavazado que resulta difícil
engarzar.
Ana Zamora dirige una puesta
en escena sólida, imperturbable al paso del tiempo, de complejo verso y texto
del que solo Cervantes puede tener autoría. La lucha
del oprimido contra el opresor latente y rotunda en escena. Sintetizando y
magnificando lo vital sin perder un atisbo de fidelidad a la esencia
cervantina. Zamora se acompaña de un elenco que ha sabido dar forma y vida a
los gritos de un pueblo que lucha por sudignidad que se rebela contra lo injusto, que agonizala muerte dignificando así la vida. Zamora consigue que las conjugaciones
violencia/ debate verbal, barbarie/ civilización con las que se trabajan, sean
entendibles y se establezcan estrechas relaciones con conceptos aún vigentes proyectándose
fieles pero acercando un texto complejo al gran público. La libertad como
concepto y con efecto de pertenencia al grupo, distando de una libertad
individual y egoísta tan marcada en estos tiempos.
Es “Numancia”, la astucia de un pueblo que prefiere morir a doblegarse.
La lucha contra la invasión, la humillación y la injusticia de un pueblo que se
siente arrollado por el poder militar de Roma. Durante
los veinte años que duró el asedio de Numancia, que avergonzaba profundamente a
todos los romanos, los celtíberos opusieron una resistencia. Marandro,
enamorado de Lira, decide resistir junto a su pueblo al cerco al que el
ejército romano, bajo las órdenes de Escipión, somete a todos los habitantes
de Numancia. Están dispuestos a morir antes de entregarse vivos.
Irene Serrano, José Luís
Alcobendas, Alfonso Barreno, Javier Carramiñana, Javier Lara, Eduardo Mayo,
Alejandro Saá, Isabel Zamora componen un
elenco que fluye a la perfección en escena, romanos y numantinos, cinestesia y
movimiento escénico componiendo un todo perfecto. Cambios radicales de
vestuario y sutil gesto que no romperá el ritmo, únicamente nos situará en otro
plano en la otra cara de la moneda.
La ciudadela, la inanición y
la muerte, la angustia, la opresión, la lucha, la rabia con un poso constante
de melancolía, frustración y desolación. La irrupción de
las tropas ocupando el espacio central, los palcos laterales invadidos por la dialéctica.
Numancia ha copado el Teatro de la
Comedia, ya parecemos formar parte del cercado numantino. Solo nos
queda resistir o someternos, pero aún no ha terminado la función.
Nos sorprendió de nuevo Irene
Serrano con una madurez cada vez mas sólida en escena, uno de los valores mas
certeros en la escena clásica actual, verdad en soliloquios y diálogos,
sentimos el desgarro en su espera y la rabia del que no sabe cual será su
porvenir.
Alicia Lázaro en el trabajo
de dirección musical construye una mezcolanza cuya
raíz deviene en fuentes renacentistas, canciones españoles y los madrigales
italianos, danzas populares y las escenas carnavalescas de los antiguos
romances dando si cabe mayor fuerza a esta Numancia íntima.
Un vestuario austero, aciago
trabajo de Deborah Macías, marcando la desidia, realizando un
ejerciciode extensión y compactación
con la escenografía de la mano deCecilia Molano.Miguel
Ángel Camacho en el trabajo de iluminación, pondrá el foco en el temor y en
la lucha de un pueblo, pero también en la prepotencia del que viene a vencer,
juego de luces y sombras que nos atrapará intentando identificar ese juego.
No podemos olvidar al imprescindible Vicente Fuentes en asesoría de verso, Javier García Ávila en
coreografía, Fabio Mangolini en asesoría de movimiento, Rodrigo Muñoz en asesoría de percusión y todo
un equipo que nos acerca a una obra del mas alto nivel.
Entran las tropas y solo queda ir a
disfrutar de esta brillante puesta en escena para descubrir si finalmente nos
doblegamos o preferimos la muerte para dignificar la vida.
Una
pequeña joya asoma en la Sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia. De la
mano de Xavier Albertí llega Caravaggio, Vermeer y Velázquez. Una creación
donde se conjugan el arte, la música y la pintura para hacer un repaso del
siglo XVII desde distintos ámbitos.
Llega el mes de Noviembre, el primero en el que todos los teatros tendrán el aforo completo, en el que vemos más cerca la normalidad perdida en aquel Marzo funesto de hace año y medio. Y viene este primer mes del invierno cargado de propuesto interesantes. Desde grandes estrenos a reposiciones de algunos de los títulos que más éxito tuvieron la pasada temporada. Aquí pasamos a haceros una selección de lo que no deberíais perderos este mes. Tomad nota y volvamos a disfrutar de los teatros llenos.
Estamos ante uno de los montajes que al comenzar la temporada todo el mundo subraya como imprescindible. Una historia de amor y lucha de poder, de egos que ciegan, de amores que matan. El prodigioso texto de William Shakespeare retrata los instintos más primarios de los seres humanos, y nos muestra a unos personajes que fácilmente podrían habitar en nuestros días. Es lo que tienen los clásicos, que saben ahondar de tal manera en la esencia de lo que somos que consiguen perdurar en el tiempo y que sus historias sean atemporales.
Poderosa, impactante, divertida, locuaz, inteligente. Todo esto es lo que nos transmite esta impecable versión sobre el clásico de Lope. Una obra musical que se convierte en una desenfrenada fiesta desde el comienzo para acompañarnos a ritmo de grandes temas de la música italiana por esta tierna historia de amor, en la que el poder, la tradición, las cuentas pendientes, parecen no ser impedimento para que el amor consiga llegar a buen puerto y todo acabe como merece una fiesta, con el gran baile final.
Una revisión de un clásico, una mirada a las entrañas de la propia creación, un viaje introspectivo a lo más profundo de nosotros mismos. Todo estos y mucho más nos propone este precioso montaje, lleno de ternura, de guiños a la poesía y al teatro, de abrazos a los miedos y a la vida. Es una pena que viajes tan sentidos y especiales como este duren tan poco en la cartelera. Una mirada diferente, una propuesta auténtica, un idilio entre el autor y la obra que analiza, que le lleva acompañando durante toda la vida.
“Si toda la poesía del mundo desapareciera, sería posible reconstruirla a partir de las páginas de El príncipe constante” (Johann Wolfgang von Goethe), a lo que yo añadiría, si todas las palabras desaparecieran, posible sería volver a comunicarnos gracias a esta oratoria tan bella. La constancia de la palabra, la belleza de cada frase que engloba este texto, es un prodigio ante el que uno solo puede disfrutar, estar muy atento para no perder ripio, y aplaudir al final ante el resultado.
Era allá, por aquel entonces, a finales del XVII cuando
Molière creó su última comedia. El
Enfermo Imaginario.
Un potentado
aristócrata francés, Argán, hipocondríaco a mas no poder, se dirime entre sus
enfermedades varias, entre los intereses de varios médicos, mientras busca
casorio para su hija, hija que lo busca por otro lado, su mujer se desvive en
sus cuidados, a él y a otros, y su criada, mas su guía que criada, realiza sus
tejemanejes para que los cauces sigan por donde deben ir. Comedia en tres actos
deliciosa.
El
Teatro de la Comedia abre sus puertas, después de tiempos amargos, por fin.
¡Vive Dios, por fin!Allí estábamos
entre España y Portugal entre intrigas y desvelos, amores por resolver y un
juego de identidades en los que Yolanda Pallín en la adaptación de El
vergonzoso en Palacio de Tirso de Molina ha puesto el foco. Mujeres
protagonistas de una interesante y divertida trama donde son ellas las que
ponen el acento en la osadía y elvalor.
Con la llegada del mes de Octubre, la mayoría de las salas y Teatros de la ciudad vuelven a abrir las puertas. Con estas aperturas se puede dar por iniciada oficialmente la temporada teatral, aunque en los últimos días hayamos conocido la noticia de que "El Rey león" y "Anastasia" no volverán (el primero hasta marzo, la segunda se ha cancelado definitivamente). Con todo, esta será una temporada muy extraña, marcada por la incidencia del COVID, que hará que los aforos vayan variando casi cada semana. En esta realidad tan extraña que nos está tocando vivir queremos mostraros un avance de los estrenos más sonados, algunos han abierto la temporada con gran éxito y afrontan los últimos días, así que atentos para no perderos nada que os interese.
Decía Menéndez Pelayo sobre Calderón de la Barca “Los personajes de Calderón apenas aciertan
con la expresión natural y sencilla, sino que la sustituyen con hipérboles,
discreteos, sutilezas y lluvia de metáforas...”.
Obras grandilocuentes, de boato y alto verso que siempre
nos encandilan, así nos acercamos al dolor hace unas semanas viendo a
Segismundo desgarrándose en sudor de ira y llanto.
Habían
pasado únicamente unos días desde que Helena Pimenta nos sorprendiera con “La vida es
sueño”, con entradas agotadas desde el momento en el que se pusieron a la venta, una obra que
nos dejó impactados por la labor actoral y por una dirección del mas alto
nivel.
En
la sala pequeña del Teatro de la Comedia se está viviendo algo insólito,
Segismundo encarcelado en una torre, preso como las bestias, exhalando rabia y
gritos a la libertad sin bien saber lo que la libertad misma significa, ya que
nunca gozó de ella.. y serán el poder, el perdón, la ira lo que nos encontremos
al sentarnos en la butaca, ya se respiran las sensaciones porque ya leímos a
Calderón, porque ya vimos a Segismundo
otras veces con su furia y desconsuelo.
Aquel que se distinguió en la corte de
Felipe IV como poeta dramático, el que pareciera en ocasiones haberse evaporado
entre el arte de Lope y Calderón, el autor de "El Lindo Don Diego", esa majestuosa
obra de figurón y lo "Primero es la honra", me preguntaba que habría pensado al
presenciar la versión de su obra palatina "El desdén con el desdén". Sí, les hablamos de Agustín Moreto.
Antes de hablarles de esta magnífica e
hilarante puesta en escena, vamos a adelantarles algo. Para ponerles en
antecedentes y situarles en el contexto.
La furia, y la melancolía, el Lope más íntimo
y mas intenso se impregnan en cada matiz de esta excelsa puesta en escena en la
que cada detalle está minuciosamente desbrozado hasta llegar a la esencia de lo
que Lope sentía en el momento de escribir una de las piezas de senectud mas imponentes del teatro clásico español, sin
duda alguna la mas desesperanzada del autor. Por todos es sabido el
conocimiento bíblico por parte del autor, recurso que utilizará en cada
pincelada de la obra.
