Se acaba el año y con él estos tortuosos meses de aforos limitados y plateas medio vacías. Esperemos que ya de forma definitiva. En este mes de reencuentros familiares, de momentos de felicidad más o menos impostada, regresan las típicas e ineludibles citas navideñas, pero también tendremos la oportunidad de degustar alguna de las grandes piezas que se reponen. Y por si eso no fuese suficiente, tenemos interesantes montajes sobre obras de Emilia Pardo Bazán o Max Aub, que no todo va a ser ligerito en estos últimos días del año.
Siempre
es un regalo tener la oportunidad de ir al Umbral de la Primavera, una de las
salas con más magia y encanto a la que podemos acercarnos. Si a ello se une una
obra de enorme interés se nos presenta el plan perfecto.
Al entrar, al tomar asiento, unas
escalinatas marchitas, tonos grises en escena. La guerra, la ignominia de uno
contra todos, la desolación y la desesperanza que acaricia el alma y al
pueblo, cuando no existe forma humana de rebelarse contra el poder.
Numancia, una tragedia que reflexiona sobre los límites de la libertad humana,
individual y colectiva. Una expresión trágica de la
impotencia humana y su supeditación a las formas de poder, una tragedia
renacentista inspirada en la derrota de Numancia de las guerras celtíberas a
manos del poder romano en el siglo II a. C.
Es difícil deconstruir conceptos, aprehender y volver al origen de las
palabras, volver a la esencia y volcar nuestra concentración de para que fueron
construidas. Hemos deformado y pisoteado los conceptos. “El cerco de Numancia” es un fiel reflejo de esta insolencia. Nuevas
teorías que hablaban de “El miedo a la libertad”, donde el pueblo espera a ser
representado, en una suerte acomodaticia, donde se somete por el miedo a tomar las riendas de su propio
destino, y asumir errores. Volvemos a la libertad en tanto a pertenencia, a
formar parte de un grupo lejos de la petulancia individual y egoísta,
anteponiendo la soberbia de salvarme yo, frente al otro.
Es “Numancia”un espejo, de la realidad que era y sigue
impertérrita en el tiempo. El poder sigue constante, displicente, mientras
tanto la ciudadela cercada, es hoy un todo global tan deslavazado que resulta difícil
engarzar.
Ana Zamora dirige una puesta
en escena sólida, imperturbable al paso del tiempo, de complejo verso y texto
del que solo Cervantes puede tener autoría. La lucha
del oprimido contra el opresor latente y rotunda en escena. Sintetizando y
magnificando lo vital sin perder un atisbo de fidelidad a la esencia
cervantina. Zamora se acompaña de un elenco que ha sabido dar forma y vida a
los gritos de un pueblo que lucha por sudignidad que se rebela contra lo injusto, que agonizala muerte dignificando así la vida. Zamora consigue que las conjugaciones
violencia/ debate verbal, barbarie/ civilización con las que se trabajan, sean
entendibles y se establezcan estrechas relaciones con conceptos aún vigentes proyectándose
fieles pero acercando un texto complejo al gran público. La libertad como
concepto y con efecto de pertenencia al grupo, distando de una libertad
individual y egoísta tan marcada en estos tiempos.
Es “Numancia”, la astucia de un pueblo que prefiere morir a doblegarse.
La lucha contra la invasión, la humillación y la injusticia de un pueblo que se
siente arrollado por el poder militar de Roma. Durante
los veinte años que duró el asedio de Numancia, que avergonzaba profundamente a
todos los romanos, los celtíberos opusieron una resistencia. Marandro,
enamorado de Lira, decide resistir junto a su pueblo al cerco al que el
ejército romano, bajo las órdenes de Escipión, somete a todos los habitantes
de Numancia. Están dispuestos a morir antes de entregarse vivos.
Irene Serrano, José Luís
Alcobendas, Alfonso Barreno, Javier Carramiñana, Javier Lara, Eduardo Mayo,
Alejandro Saá, Isabel Zamora componen un
elenco que fluye a la perfección en escena, romanos y numantinos, cinestesia y
movimiento escénico componiendo un todo perfecto. Cambios radicales de
vestuario y sutil gesto que no romperá el ritmo, únicamente nos situará en otro
plano en la otra cara de la moneda.
La ciudadela, la inanición y
la muerte, la angustia, la opresión, la lucha, la rabia con un poso constante
de melancolía, frustración y desolación. La irrupción de
las tropas ocupando el espacio central, los palcos laterales invadidos por la dialéctica.
Numancia ha copado el Teatro de la
Comedia, ya parecemos formar parte del cercado numantino. Solo nos
queda resistir o someternos, pero aún no ha terminado la función.
Nos sorprendió de nuevo Irene
Serrano con una madurez cada vez mas sólida en escena, uno de los valores mas
certeros en la escena clásica actual, verdad en soliloquios y diálogos,
sentimos el desgarro en su espera y la rabia del que no sabe cual será su
porvenir.
Alicia Lázaro en el trabajo
de dirección musical construye una mezcolanza cuya
raíz deviene en fuentes renacentistas, canciones españoles y los madrigales
italianos, danzas populares y las escenas carnavalescas de los antiguos
romances dando si cabe mayor fuerza a esta Numancia íntima.
Un vestuario austero, aciago
trabajo de Deborah Macías, marcando la desidia, realizando un
ejerciciode extensión y compactación
con la escenografía de la mano deCecilia Molano.Miguel
Ángel Camacho en el trabajo de iluminación, pondrá el foco en el temor y en
la lucha de un pueblo, pero también en la prepotencia del que viene a vencer,
juego de luces y sombras que nos atrapará intentando identificar ese juego.
No podemos olvidar al imprescindible Vicente Fuentes en asesoría de verso, Javier García Ávila en
coreografía, Fabio Mangolini en asesoría de movimiento, Rodrigo Muñoz en asesoría de percusión y todo
un equipo que nos acerca a una obra del mas alto nivel.
Entran las tropas y solo queda ir a
disfrutar de esta brillante puesta en escena para descubrir si finalmente nos
doblegamos o preferimos la muerte para dignificar la vida.
La dura lucha por la eterna juventud, la batalla de dos actrices por conquistar el corazón del público y el trono de la excelencia. La asignatura pendiente que todo ser humano tiene a la hora de asimilar el paso de los años y el envejecimiento. Una gran actriz que ve como sus días de gloria pasan, como las nuevas generaciones se van apoderando de los flashes mientras ella va quedando relegada a un segundo plano. Esta inquietante historia nos habla de egos, del paso del tiempo, de la dura lucha por ser el mejor, de la vanidad de los poderosos, de la eterna pelea por no asumir el cambio de ciclo. Pero si queremos ver un poco más allá, también nos habla de feminismo, de la imposición social hacia la mujer de tener que mantenerse siempre radiante, mientras los hombres se van convirtiendo en "maduritos interesantes".
El
Teatro Fernán Gómez nos acerca una obra íntima sobre la vida privada del gran
autor ruso Antón Chéjov. A partir de los cientos de cartas que se escribieron
él y la que sería su mujer Olga Knipper, podemos conocer un poco más tanto la
evolución de su proceso creativo como aspectos más personales de su vida.
Esta mañana, en el salón de mi casa, como anoche en el de Carmelo, en el de Federico, me siento pequeño, muy pequeño a la hora de escribir, y a la vez feliz, enormemente feliz y lleno recordando la función de anoche en el Abadía. Pequeño, muy pequeño al tener que referirme a algo tan grande, tan de verdad y tan emotivo como lo que vivimos ayer. Pequeño al poner palabras a la grandeza del teatro que nos envuelve, que nos mima, que nos atrapa.
Déjense llevar cuando acudan al María Guerrero a experimentar esta obra inconclusa de don Federico, el gran Lorca. Déjense llevar en esta parte de la trilogía del teatro imposible, escrita a principio de la década de los 30, donde Lorca se lanzó al surrealismo, a la metateatralidad, al mecanismo del teatro en sí mismo, desde dentro, desde lo imposible. Déjense llevar por otro Lorca. Sobrepasemos lo real. Lo dicho, déjense llevar.
Señoras y señores el talk
show mas controvertido, mas ácido, el que escarba hasta las entrañas del poder
para ponerlo patas arriba, el que convierte lo individual en colectivo. Un
curso de reconversión para gente normal.
El Teatro del Barrio acoge bajo
la 39º Edición del Festival de Otoño ¿Cómo hemos llegado hasta aquí?Autoría de la dramaturga Andrea Jiménez, la
guionista Olga Iglesias y la periodista Nerea Pérez.
Andrea Jiménez dirige una
puesta en escena a golpe de show televisivo. Nerea Pérez presenta el show, es
altavoz, es foco , es la agitación política, es la Pepita Grillo que nos
recuerda constante que lo personal es político. Que la experiencia de una es el
reflejo de un todo estructural.Olga Iglesias es espejo, es cualquiera de nosotras, un día cualquiera, o no un día cualquiera, más bien el día que decidimos decir basta y reconocernos.
Nunca es suficiente, nunca has dado lo mejor de ti,
siempre podría estar mejor yademás
podrías ir más arregladita, mas mona, mas normal. ¡ Chica, sácate
partido!.Nerea nos los cuenta con un constante
subtexto, este sistema, este lenguaje asfixiante no solo interpela a una, nos
interpela a todas, en todas partes, a todas horas. Y solas no podemos
combatirlo, pero juntas, juntas es otra cosa.
Olga Iglesias quiere contar su historia, está decidida
como tantas otras a darse entidad, a reconocerse, de una vez por todas quiere
ser escuchada.Anécdotas que han forjado
su personalidad, la relación con su madre, un mundo laboral precario. Rompiendo
con la vergüenza, la timidez, fruto de los mensajes ¡otros son mejores que tú!
, no bailas bien, cantas mal . Total, que si haces caso, te pasas la vida impertérrita,
en estado de paroxismo sin hacer nada bien ni mal , para que nadie te
interpele.
Un día mujeres como Olga decidieron contarlo, en un café
con amigas, a las compañeras, en definitiva fuimos viendo que lo nuestro no era
una cosa única, ni era culpa nuestra, más aun todas teníamos también a aquella
conocida cómoda en un sistema patriarcal, que nos miraba como si fuéramos raras
y surgió en nosotras esa Nerea con lentejuelas, brillos, flecos y micro en mano, que lo hizo político, que lo hizo global y
elemento de lucha colectiva.
La carga política es potente y muy clara desde los
cimientos del propio texto, pero eso no hace que esta puesta en escena sea
menos divertida y ecléctica. Colores, una presentadora todo terreno, cambios de
espacio, movimiento de escenografía. Jugaremos al “Pasapalabra”, escucharemos
copla a lo mas puro “Talent Show” , Cocinaremos con Olga mientras la batidora y
Nerea se pisan la palabra.
Ante todo presenciaremos una puesta en escena que
invita a seguir en la lucha, que nos interpela para continuar juntas.
Un grito contra las injusticias, la precariedad. Una llamada a la sororidad, a
la certeza de entender que debemos decidir quienes y como somos. Un mal trabajo,
cientos de malos trabajos no nos definen a nosotras, definen un sistema que
alimenta la precariedad. Que antes eras pobre y ahora eres “loser” , en tanto
que pobre era un concepto colectivo, pero si no progresas, si no eres mas que
la otra eres una perdedora, alimentando un sistema de competencia. Suma y sigue
y así en bucle.
La pieza es todo esto, pero también imágenes
audiovisuales de la pequeña Olga, donde se venían a la cabeza recuerdos propios
en los que una no sabe si reír o llorar. Pero con todo hemos llegado aquí y no
hemos llegado tan mal, porque hemos llegado con un montón de compañeras dándonos
la mano. Hemos llegado, como dice una compañera, FEAS (Feministas, Ecologistas,
Anticapitalistas y Solidarias).
Si buscan en Google Olga Iglesias, Nerea Pérez o
Andrea Jiménez, probablemente les aparezca en la opciones; Nerea Pérez de las Heras pareja, Andrea Jiménez edad, Olga Iglesias
hijos. Si ponemos Dramaturgas,
lo primero que aparecerá será “Dramaturgo,
21 dramaturgos famosos”. Nos queda un largo recorrido así que mientras
tanto, se lo contamos:
"Olga
Iglesias y Nerea Pérez de las Heras han encontrado en Andrea Jiménez el punto
de unión para estrenar Cómo hemos llegado hasta aquí. Antes de desembocar en
este proyecto, Olga Iglesias ha sido encuestadora, camarera, mecanógrafa,
ayudante de producción, lectora de libros para editoriales, relaciones públicas
de discoteca, social media management, ghostwriter y guionista. Nerea Pérez de
las Heras es periodista, escritora y activista, y lleva años haciendo humor
político en público, que ha plasmado en Feminismo para torpes. Andrea Jiménez,
la directora de este espectáculo es, además, autora, actriz y productora,
fundadora de Teatro en Vilo en 2012 junto a Noemí Rodríguez. Ha trabajado como
actriz y directora con reputadas compañías de Francia, España y Reino Unido. Ha
creado y dirigido numerosos espectáculos, entre los que destacan Interrupted
(2013), Generación Why, estrenada en 2018 en el Centro Dramático Nacional, o
Locos de amor. En 2019 recibió el premio Ojo Crítico de Teatro que otorga RNE.
El Teatro del Barrio ha unido estos tres talentos en la que será su décimo
sexta producción".
Antiel Jiménez en el trabajo de escenografía e
iluminación da ritmo y acción a diferentes contextos, situaciones y etapas.
Iluminar la timidez de Olga y el entusiasmo de Nerea , las dudas y el arrojo
junto al trabajo de vestuario de Yaiza Pinillos que va de lo mas casual, lo mas
costumbrista, a lo mas folclórico, un tono moderno que vuelve a
Olga camaleónica y a Nerea en una hilarante Pepita Grillo.
Con estos mimbres que les hemos ido contando, vayan y vean porque yo no se “Cómo hemos llegado hasta aquí”.
Pronto vuelven 19, 20 y 27 de noviembre. No se lo pierdan.
Compañía: Teatro del Barrio De Olga
Iglesias y Nerea Pérez de Las Heras Dirección:
Andrea Jiménez (Teatro en Vilo) Dramaturgia:
Olga Iglesias, Nerea Pérez de Las Heras y Andrea Jiménez Interpretación:
Olga Iglesias y Nerea Pérez de Las Heras Escenografía e
iluminación: Antiel Jiménez Vestuario:
Yaiza Pinillos Ayudante de Dirección:
Laura Jabois Producción:
Lucía Rico Fotografía: Laura
Ortega Cartel:
Jacobo Gavira Comunicación:
Paloma Fidalgo y Ka Penichet Producción Artística:
Ana Belén Santiago
Una producción de Teatro del Barrio
Gerencia: Ana Camacho / Técnica: Tony Sánchez y “Mimi” / Taquilla y web:
Francisco Javier Barragán / Administración: Marysa Martínez.
De
la mano de la compañía La Hartancía llega a Nave 73 la versión libre de
Santa Juana de los Mataderos. Una de las obras de Bertol Bretch menos conocidas
pero que mantienen intacto el lenguaje teatral que supuso una revolución para
el género y su compromiso político.
Estamos ante una de las obras más impactantes y conmovedoras de los últimos años. Un relato que nos habla de racismo y de homofobia, pero que sobre todo nos habla de la búsqueda que cada uno debe tener en el mundo para encontrar su verdadero lugar. Este desgarrador relato entrelaza dos historias, dos realidades separadas en el tiempo más de sesenta años, pero en el fondo muy cercanas e igualmente dolorosas. Una obra que bajo el paraguas del mundo del boxeo nos habla de una violencia mucho más real, mucho más íntima. La búsqueda de la aceptación en un mundo hostil, que no es capaz de aceptar al diferente.
