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El cianuro, ¿sólo o con leche?. Teatro Corral Cervantes

 

El cianuro, ¿sólo o con leche? Símbolo de esta idiosincrasia tan socarrona, ese humor negro de la España profunda. Historias costumbristas, con un lenguaje popular, lucido e inteligente. Nacido de la sabiduría que ofrecen los pueblos y las costumbres de la gente corriente.

Un texto de José Alonso Milián,  que divierte, políticamente incorrecto con una lucidez por encima de moralinas.  Un tipo de humor negro para los “muy cafeteros”. Si bien, donde sin duda el tonto que se lleva todos los golpes termina siendo indudablemente el mas listo de todos, como no puede ser otra manera.

Casting Lear en Teatro de la Abadía

 


Voy a ver esta propuesta, mientras leo El viaje al amor de Eduardo Punset. Él decía que los secretos del amor se habían interpretado siempre desde los campos de la moral o la literatura, pero que el amor se podía estudiar de modo científico. Nos contaba que se mueve por causas evolutivas y biológicas extremadamente precisas.  Cómo me hubiera gustado que hoy Punset hubiera podido ver esta pieza. Creo que se habría ido corriendo a su laboratorio para dar con la inalcanzable clave científica.

Que de noche lo mataron en Corral de Cervantes

 

Llegan al Corral de Cervantes dos planos y un drama El tiempo como concepto, como valor, como yugo y como amo de todo. El tiempo, más poderoso que reyes, caballeros o cualquier noble que podamos nombrar.

Dentro de este se condensa todo, pueden haber pasado cuatro siglos que los valores parecen no cambiar. Tallados en el sistema, la envidia, los celos, el miedo, lo que es tangible y lo que no lo es. Marcados a fuego, imperturbables al paso del tiempo. Pero el tiempo sigue su camino como uno mas en discordia, indemne a todo. El único inmortal en esta historia, el tiempo.

Adiós, Paca en Teatro Lara

6:30 de la mañana, todas nos levantamos por la mañana tremendamente resultonas, y con un carisma y una alegría por vivir nuevas aventuras que te caes de la silla. Somos optimistas, simpáticas y bien, bien educaditas. Te miras, bailas un poco frente al espejo, hablas un poco con la que está en el espejo.

Pero es que el reloj va contando los minutos y aun no te has vestido y se va el tren, que luego tienes que hacer un trasbordo y si te toca el de Diego de León son como tres.

 Pero tu puedes con todo eso y mucho más y coges tu maletita, con tus documentos, y te echas a la calle. Y te empujan y vas apretujada en un vagón y en el otro también. 

Pero, ¿qué es eso para ti? Nada, eso no es nada, porque tu has nacido para esto y mucho más. Aventura tras aventura estás viviendo desde que te has levantado a las 6:30 con un pipipipi, y llegas a tu oficina que es exactamente  igual que la de cualquiera, una oficina en la que no resalte la mesa gris, con la silla gris oscura, no vaya a ser que nos deslumbremos con tanto color.

Estás animada, mucho, porque en el horizonte tienes una meta nada desdeñable, colocar tus documentitos, tus papelitos en la mesa, teclear , teclear, llamar por teléfono, interactuar con el que está al otro lado del aparato. 

Y esto un día y otro y el siguiente y el juego empieza a ser complejo. Un juego lleno de normas y personas que dicen no a todo, a esto y a lo otro. Y claro, si elijes o mejor dicho, te ha tocado el rol en el juego de sí a todo, estas perdida, porque no te diviertes y hablar jugando cuando todo el mundo habla en serio es un rollazo.

Es decir, que tu sí, viene a ser la negación de ti misma, la aceptación del resto de noes que te limitan y no te dejan ni ser , ni disfrutar , ni vivir.

Ahora sí, de esto va "Adiós, Paca", una producción de Farsantas dirigida por Eva Carrera e interpretada por Irene Quintana. 

Eva Carrera e Irene Quintana construyen un texto que nos interpela a todos y todas la currantes y currantas que nos levantamos  cada mañana y que hemos rutinizado la desidia como forma de vida. Que vivimos para trabajar y no trabajamos para vivir porque tenemos que pluriemplearnos porque el sueldo no llega. Un alegato a levantar, la voz, la alegría o por lo menos a aprender a poner límites y decir sí o no cuando corresponda para respetarnos y respetar al resto.

Un texto con múltiples aristas que hace reflexionar sobre el sistema de trabajo, el consumismo, y la propia vida.

Eva Carrera dirige el texto dotándolo de la energía clown que va in crescendo, o de crescendo según le viene al clown, porque no le digas tu a Paquita como tiene que comportarse cuando suena Tina Turner. El juego con la jerigonza, los idiomas inventados, la conversación con el que intuyes y hace desbarrar la imaginación del espectador. La apertura del camino a ser un poco libre al menos por un rato y permitir un espacio de entretenimiento y reflexión es la composición que nos regalan Carrera y Quintana.

Irene Quintana interpreta a Paca, con ella disfrutaremos del teatro gestual, el teatro de objetos, pero sobre todo de la vulnerabilidad del que tiene la valentía de ponerse la máscara más pequeña del mundo para mostrar el ser más intimo de uno. Irene, energíca, disfrutona en escena. Paca  nos interpela de modo constante, nos hace mirar a la cara de un subtexto de calado vital triste, pero con todo no tendremos por más que reírnos, porque lo hace desde la honestidad mas absoluta.

Tintes de Luis Bermejo en la utilización de la palabra, pero sobre todo, la esencia de Pepe Viyuela pululaba en escena, una forma de entender el universo del payaso. Y es que cualquier cosita es todo un acontecimiento.

No se, si Paquita tiene suerte , es de las pocas que percibe que algo en el sistema no anda bien, que las cosas tienen matices. Con ells, un teclado puede ser un piano o cualquier cosa que venga a la imaginación. Nos muestra que es grandioso si lo crees de verdad emocionarse y vivir como un niño las cosas pequeñas, los pequeños triunfos y los grandes fracasos que a uno le hacen grande. No se , si Paquita tiene suerte en saber que hay más de lo que otros ven. 

Quizá sea preferible aquellos que de nada se dan cuenta, que pasan los días imbuidos en la rutina sin que nada parezca afectarles. Son reflexiones que les vendrán a la cabeza cuando vean a Paca en su día a día que seguro de algo les suena porque estoy segura que se parece al suyo.

Y es que ya verán, que Paca es rebelde como ella sola, un poquito cariñosita también y fuerte y valiente, pero es que no la dejan, no la dejan. Irene Quintana como Paca lo muestra a la perfección, ella va cambiando, levemente su gesto, en su postura corporal. El sistema, los desplantes, el cansancio emocional, poquito a poco la va afectando el ánimo y la mirada.  El personaje que ha creado parece ir desapareciendo y parece fundirse con la persona diciendo basta. 

Hasta que un día… bueno, esto como siempre no se lo vamos a contar porque les animamos que vayan a pasar un rato con un personaje entrañable y rebelde, que nos recuerda que la alegría es el mayor acto de rebeldía… hasta que…yo es que le hubiera dado otro final, pero para gustos colores, no como los de la oficina.

Un decorado que como buen clown, comienza siendo una cosa o dos y acaban siendo millones que no hay sitio donde poner nada y se queda todo al retortero. El vestuario, pues de oficina, arregladito pero informal. La composición musical original corre a cargo de Milo Giraldo y el diseño de ilumicación es trabajo de Yolanda Berasategui que será guia en los diferentes trabajos y en los diferentes trayectos por los que transita Paca. Trabajo de fotografía de la mano de Dani Jaén y Lucía Sánchez 

Les puedo adelantar que Paca nos deja una nota escrita, una pregunta. Yo tengo una respuesta, que es para mí la moraleja de “Los Despiertos”  de Jose Troncoso.

Rebeldemente recomendable.

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  Adíos, Paca.

Teatro: Teatro Lara – Sala Lola Menbrives
Dirección: C/Corredera Baja de San Pablo
Fechas: A partir de Marzo 2024.
Horario: Martes a las 19:30h.
Duración aprox: 75 Minutos
Entradas: Desde 12€ en teatrolara, atrapalo
 

Las locuras por el veraneo en Naves del Teatro Español

 

Enredos, entretenimiento y mucho postureo es la propuesta que versiona y dirige Eduardo Vasco. Una carta de presentación desenfadada y naïf, que estará en la Sala Max Aub de Naves del Teatro Español hasta el 28 de Enero. Si bien, un poso irónico y ciertamente crítico a una sociedad superficial y vana que impregna la obra, del mismo modo que así lo hacía Carlo Goldoni en Le smanie per la villeggiatura pieza que abría Trilogia della villeggiatura estrenada en Venecia en 1761. 

Recatadas (el arte de mirar al suelo) en Teatro de la Comedia

Siglos agradando al otro, discretas, sumisas, cordiales, amables. Una sociedad que encorsetaba y anulaba todo atisbo de deseo o anhelo de libertad. Ellas cuidando al resto, sin ser objeto de cuidado, ni autocuidado. Ella en la sombra, ella para los demás, para dejar brillar, para ser nada siempre en último plano.Condicionamientos sociales que constreñían, con tanto peso, que únicamente permitían mirar al suelo. Sin ser conscientes que la libertad pasaba por levantar la mirada.

Isla en Fernán Goméz Centro Cultural de la Villa

 

En una playa, formando parte de una tribu. Entre arena y esterillas, un grupo de indígenas romperán la cuarta pared y serán espejo y parte de nuestra sociedad. Un experimento antropológico que mira y hace que nos miremos a nosotros mismos, las carencias fundamentales de una sociedad que va a toda velocidad, deshumanizada en su fondo. Nunca paramos, nunca observamos. Caídos del cielos nos brinda la oportunidad de parar un momento en el camino para parar y reflexionar. El ambiente que han creado es el propicio para tal fin, en palabras de Jose Saramago “Es necesario salir de la isla para ver la isla, que no nos vemos si no nos salimos de nosotros.”

La Discreta enamorada en Teatro de la Comedia

Cuando allá por 2019 Lluis Homar tomo las riendas en la dirección de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Nos chirriaban conceptos, nos movía de la silla entre novedades y adaptaciones varias. Sin duda nos ha ido ganando y cada vez más vemos su trabajo como una genialidad donde da protagonismo y peso a todo el equipo artístico.

Desde su llegada vemos al director como uno mas en el patio de butacas disfrutando de la función, en escena como uno más ó mirando al espectador desde la primera fila a la última butaca del teatro, desde una punta a otra del Estado  acercando el teatro clásico a todo tipo de público, dándole una línea mas urbana, mas cercana. 

Desventura y muertes de Baulín, el Encandilado en Corral de Cervantes

 

Los Cabritos producen, Compañía Diego el de la Gloria, Fundación Siglo de Oro producen una pieza en la que Mikel Marcos y Celia Morán toman las riendas como autores de una composición literaria astuta, sardónica con el humor del que puede tratar todo tema con naturalidad y sin tapujos.

Ambos nos han permitido conocer a Francisco de la Huerta Baulín, con su tricicleta, su armónica de afilador y cachivaches a tutiplén. Elementos con los que nos transportaremos en un santiamén al imaginario literario del Siglo de Oro, donde buscones y damas se encuentran para hacer las delicias del ávido espectador a la espera de chismes y dimes y diretes.

Un personaje  astuto, embaucador, que vivió todas la picardías habidas y por haber en tiempos donde huérfano por desatinos del destino como tantos llegaba a la noche sin saber bien si lo que sentía era pan o era hambre. En escena una tricicleta con tantos trastos que nos hace imaginar todos los lugares recorridos en la búsqueda de una vida espectacular, grandiosa y memorable.

La Tuerta en Teatro Fernán Gómez


Commedia dell'arte pensé, ella tan bonita, tan coqueta nos contaría a modo burlesco su historia.  Una doncella barroca del S. XVI que vive apasionada, inocente su romántica vida en su jardín romántico hasta que un día todo eso se desbarata y se despierta la hidra. No hay Colombina, ni Isabella . La compañía Nueve de Nueve Teatro produce La Tuerta, una tragicomedia donde no hay burla.  Asentadas la rabia, el rencor por el daño, la sed de venganza y ante todo una herida imposible de curar.

Médium, Chile estalla en la distancia en Teatro del Barrio


La imágenes se difuminan, con el tiempo se va perdiendo la nitidez  del recuerdo. Uno se esfuerza por mantener viva la llama de la pertenencia, pero hay una realidad, no estás. Te esfuerzas por formar parte, por ser parte del cambio, pero las cosas suceden mientras estás lejos.

Ser hilo transmisor, difundir el mensaje, transmitir la fuerza de los que luchan por el cambio el social. Contar la valentía de los que ponen su cuerpo y su vida desde la primera línea, es un modo más en el construcción social para el cambio. Que las personas tomen conciencia de una realidad, universalizando la lucha.

La compañía Teatro Apátrida en la unión de  diferentes disciplinas nos presentan la reconstrucción de una parte del estallido social en Chile.  Seis creadores que desde la distancia sintieron la necesidad de formar parte de esa lucha. Así, mediante testigos que vivieron directamente el estallido, documentos, relatos, imágenes que logran conformar un todo que pudiera ser universal y común para todos lo que creemos que juntos somos más en este baile de los que sobran.

Omar Morán Reyes en la dramaturgia junto a Teatro Apátrida y relatos testimoniales, toma las riendas en la puesta en escena de todo un extenso trabajo colectivo.

La realidad que nos muestran la gente en la calle, la gota que desencadenó las protestas el alza en el sistema de transporte público de Santiago, que desencadenó en la raiz de un problema sintémico, de desigualdad, de corrupción. Sin existencia de líderes claramente identificables las protestas fueron extendiendose hasta que Sebastián Piñera decretó el estado de emergencia en quince de las dieciséis capitales regionales. Las investigaciones realizadas por organizaciones como Amnistía Internacional, la Comisión Interamericana de Derechos Humanos, Human Rights Watch y la Oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Derechos Humanos determinaron la concurrencia de graves violaciones a los derechos humanos cometidas por funcionarios del Estado chileno.

En escena un grito sonoro, juego de “loops” que repiten consignas, se sobreponen al pensamiento y a la palabra, generando un mensaje que no se entiende que se dispersa que deviene en ruido, el humo que empeña la visión. Mientras tanto la imagen,  cañones de agua, barricadas. En el suelo, un mapa, explicaciones, cámaras que apuntan recreaciones de la realidad, testimonios de gente que huye de las bombas de agua, de gases lacrimogenos. La masa desprotegida, atacada frente a los que debieran ser máximos protectores. Andrea Paz, Gabriel Díaz, Daniela García, Gonzalo Dalgalarrando desgranando la lucha, acercándonos cada detalle a la máxima expresión, haciéndonos sentir como ellos sienten la rabia de la mayoría social, de aquellos que tenemos las piedras frente a los tanques.

Una pieza que se asienta en nosotros con nostalgia, con recuerdos poco nítidos del 15M, con la fuerza de la lucha colectiva en la calle que parece haber desaparecido. Salí preguntándome ¿Qué ha ocurrido? Y quizá la solución a la pregunta esté en la propia pieza, pensamos que teníamos el poder, que ya lo habíamos conseguido todo. Los derechos son frágiles si no se cuidan.

Álvaro Castillo y Josefina Cifuentes en el trabajo de iluminación nos sacan del pesimismo de este tiempo sombrio para devolvernos a los tonos de lucha y reivindicación, un apoyo en la puesta e escea para salir del paroxismo y la abulia que invade la calle  y las urnas junto a los videos de la mano de Gonzalo Dalgalarrando y diseño de sonido trabajo de Alejandro Miranda.
 
Una llamada a la universalización de la lucha a tomar acción y salir del pesimismo en estos tiempos sombrios. Ay! 
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Médium, Chile estalla a la distancia
Teatro: Teatro del Barrio
Dirección: Calle Zurita 20
Fechas: Martes a jueves 11 a 13 de Julio a las 19.30.
Entradas: Desde 14€ en TeatroDelBarrio
 

Obra realizada en residencia en la fábrica de creación La Nauivanow

Ficha artística

Autoría: Omar Morán Reyes y Teatro Apátrida

Dirección: Omar Moran Reyes

Elenco: Gabriel Díaz, Andrea Paz, Daniela García, Gonzalo Dalgalarrando

Dirección de producción: Gabriel Díaz

Producción ejecutiva: Omar Morán

Iluminación: Álvaro Castillo y Josefina Cifuentes

Escenografía: Teatro Apátrida, Paulo Gonzáles

Diseño de Sonido: Alejandro Miranda

Vestuario: Teatro Apátrida

Videos: Gonzalo Dalgalarrando

Fotografías: Sabine Greppo

 

Aristócratas y conversos. Teatro Fígaro

Con la producción de Corta el Cable Rojo , una familia venida a menos que hace todo lo posible por mantener las apariencias y su condición social, nos espera en el Teatro Fígaro hasta el 19 de Agosto, que sin duda hará más llevadero este calor estival. 

Enredos y desenredos para evitar lo que desde luego parece inevitable entre tanto desvarío, esquivar la ruina a la que se ven abocados. Mantener a un mayordomo al que no pueden pagar  y una mansión que no pueden mantener. Una obra versada, con tintes de sainete, una comedia ligera con unos personajes llevados a la cuasi caricatura para mostrarnos el mundo de las apariencias y lo ridículo del querer y no poder.

Von Lustig, el hombre que vendió la Torre Eiffel. Teatro Infanta Isabel

Señoras, señores en escena puro teatro. Una joya de la que pudimos disfrutar en el Teatro Infanta Isabel “Von Lustig, el estafador que vendió la Torre Eiffel”.

Alfonso Mendiguchía compone un texto, divertido, ágil, inteligente. Son pocos los adjetivos para estos noventa minutos que nos engancharon a una historia y a unos personajes embaucadores que nos hubieran podido vender a nosotros mismos laTorre Eiffel. 

Y ¡tate! que la historia es real. Víctor Lustig, su alias más conocido, el conde Von Lustig, el que dicen fue el mayor estafador del siglo. A través de los cautivadores Patricia Estremera y Alfonso Mendiguchía iremos desgranando las fechorías, dimes y diretes, amores, desencuentros varios y picardías de este truhán, que nos terminó ganando a todos como el juego en el que la banca siempre gana.  

Hombre por necesidad en Teatro del Barrio

Sobrevivir para que un cuerpo siga caminando. Ser nadie, perder toda identidad, ser uno u otro para que el corazón continúe latiendo. Transitar  el horror y el hambre,  la miseria humana que recorría Europa en el contexto más negro. En escena la nada, la desazón mas áspera, pero también la resiliciencia y la capacidad del ser humano para afrontar y poder sobreponerse a las circunstancias mas duras.

La canción del viejo mundo en Corral de Cervantes

 

Imagino a dos andariegos zascandileando por la Calle Huertas, pasando por la que fuera Casa de Lope, la que fuera de Cervantes con la sensibilidad para poder sentir como sería ese Madrid de escritores y poetas y con esa sensibilidad les imagino aproximándose a las Gradas de San Felipe, ávidos de nuevas noticias para poder contar a los demás en forma de canción. Noticias reales, mezcladas con rumores foco de opiniones y de lo que en conjunto constituía la realidad de Madrid.

Sobre el caparazón de las tortugas en Teatro Fernán Gómez

 

No hay redención, Semana Santa sevillana de liturgia, de culpa, de silencio y negritud, cíngulos que constriñen y atesoran el miedo. Capirotes, antifaces que ocultan  miradas, intenciones y palabras que no fueron expresadas.

Penitentes,  de rodillas frente a Cristo crucificado

Podrá ser la Semana Santa otra cosa, pero es esto lo que transmite este patio en el que se dan cita las contradicciones y las pasiones más oscuras del ser humano y su incapacidad para poder expresar.

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