Teatro: Fuenteovejuna en Corral de Cervantes

La "actualización" de textos clásicos es una de las premisas sobre la que se sustentan la mayor parte de las obras que se programan en el Corral de Cervantes. Versiones que distan de su concepción original pero que nos muestran lo actuales que pueden llegar a ser estos clásicos, que se estructuran sobre los cimientos mismos de la sociedad y la cultura de nuestro país, que asombrosamente sigue manteniendo muchas de las peculiaridades de las que se hablaban en el Siglo de Oro.


En este verano tan extraño en el que vivimos, el Corral de Cervantes ha conseguido sacar a la luz una nueva edición de este particular corral de comedias que en esta su cuarta temporada ha cambiado de ubicación, pasando de la cuesta de Moyano al Paseo de la Chopera, en los aledaños de Matadero (en la explanada frente a los invernaderos, para ser más exactos). Una nueva edición que ha crecido, como viene haciendo cada año, con una programación a la que se añaden más montajes (la primera edición del concurso ArganzuelOros) y con la novedad de conciertos los sábados a medianoche (en Septiembre pasarán a las 23:00). Pero también hay que destacar la cuidada disposición de la terraza y los puestos que rodean el recinto, así de la novedosa carpa en la que se sitúa el corral. Un diseño que hace del conjunto algo más homogéneo que en ediciones anteriores, siempre con todas las medidas restrictivas y de aforo que se necesitan en estos tiempos. El Corral permanecerá este año abierto hasta el 20 Septiembre, renovando su programación cada dos semanas.

La pasada semana asistimos por primera vez esta temporada a este genuino espacio, a ver la transgresora versión de "Fuenteovejuna" de la Compañía Obskené. Esta particular visión ha sido creada, en palabras de los responsables, "inspirados en La Barraca de Lorca, salimos a la calle para presentar nuestra "Fuenteovejuna. Breve tratado sobre las ovejas domésticas". Hacemos teatro más allá de las barreras arquitectónicas de los edificios teatrales, para presentar nuestra versión del clásico de Lope de Vega". En esta ocasión se han tenido que adaptar a un formato más tradicional en lo que al espacio escénico se refiere, no sabemos si por la situación sanitaria (que no aconseja un montaje con los actores entre el público) o por exigencias del lugar. Hay que decir que han hecho de la necesidad virtud, apropiándose del escenario de una forma dinámica, en un continuo ir y venir de los personajes por todos los espacios del mismo.
La obra no deja a nadie indiferente por su singularidad conceptual, muy alejada de los cánones clásicos. En el año 2013 ya ganó el premio al Mejor Espectáculo del Festival Almagro Off, mientras que en el año 2015 fue finalista los Max como Mejor Espectáculo del Off de calle, y Anna María Ricart, responsable de la adaptación del texto, ganó el premio Max a la mejor adaptación teatral. Estamos por tanto ante una obra reconocida, tanto por crítica como por el púbico, como uno de los montajes más innovadores de los últimos años. Esta mirada tan particular de la obra de Lope no dejará indiferente a nadie, por su dinamismo y por su distanciamiento del libreto original, que sirve de "boceto" para hablar de temas de rabiosa actualidad.
Esta mirada contemporánea del clásico del Siglo de Oro, con grandes dosis de humor gamberro, con continuos saltos entre la realidad actual y el contexto del texto original, abstrayéndose de la obra para sacar los temas de más actualidad y ponernos frente a nuestra propia realidad. Es esta una obra cargada de energía, con un elenco que destila fuerza, con grandes dosis de humor gamberro, sin censuras, diciendo verdades como puños, en un ejercicio de búsqueda de las similitudes entre la época en la que transcurre la obra y los tiempos que nos tocan vivir. Una mezcla muy interesante de escenas originales de la obra con otras de rabiosa actualidad (tanto en el contenido como en la ejecución).

La encargada de la adaptación del texto ha sido Anna María Ricart, dotándolo de una asombrosa frescura, moviéndose con dulzura y sigilo entre la obra de Lope, pero extrayendo de ella todo lo que la vincula con nuestros días. La autora es una consumada dramaturga que ya ha versionado otros clásicos con gran acierto, como "Mrs. Dalloway", "Jane Eyre. Una autobiografía", "La dona pantera" (a partir del "Teatre de Don Joan" de Josep Palau i Fabre) o "Infaust" (versión libre del "Faust" de Goethe). En esta ocasión nos presenta un reflejo de nuestra propia sociedad desde el prisma de la obra del Siglo de Oro, en el que no faltan los guiños a la salida del país del Rey emérito o el acoso del grupo a una persona mediante convocatoria por redes. Guiños a una realidad convulsa que sabe hilvanar a la perfección con los temas principales de la obra.




El montaje es una continua fiesta, desde el mismo inicio hasta la monumental escena final. Una obra cargada de energía, en la que los actores lo dan todo, cargados de fuerza y con gran sincronización en todas las escenas. La dirección de Ricard Soler Mallol dota a la pieza de mucha frescura, de ritmo vertiginoso, con continuas rupturas de la cuarta pared (que imagino más dinámicas en el montaje original en el que los actores se movían entre el público) que hacen al público partícipe de lo que ocurre en escena. Un trabajo arduo de dirección, por el ritmo que tiene, por el tránsito entre los personajes y la actualidad, pero sobre todo para no desbocarse y mantener, con ciertos momentos de relax, la atención del público en todo momento.


La historia de Fuenteovejuna la conocemos todos, y ya nos lo dejan bien claro los actores desde el inicio mismo de la obra. Aunque no hayas leído la obra, clásicos como este pertenecen a la cultura popular de nuestro país. Por ello, este montaje va mucho más allá en su adaptación y busca el reflejo de nuestra sociedad en la obra de Lope. La figura del comendador corrupto y violador que oprime al pueblo nos resulta familiar. El pueblo que se levanta para combatirlo (solo el pueblo salva al pueblo). Tantas similitudes en la esencia de la obra con la actualidad, la convierte en un espejo en el que mirarnos, para preguntarnos cómo puede ser que después de tantos siglos sigamos cometiendo los mismos errores, y el poder siga siendo tan corrupto. La historia de Fuenteovejuna pasa por momentos a un segundo plano, cuando se intenta hacer ver lo actual de lo que se cuenta. Una propuesta valiente, en la que la estética y la plasticidad de los movimientos juegan una parte fundamental del montaje.

Estamos sin duda ante un trabajo de elenco portentoso, en el que cada uno de los siete actores que participan se mueven con gran soltura por la escena, en continuas idas y venidas, saltos y bailes, coreografías y momentos de hacer figuras humanas conjuntas, todo ello de gran belleza, tanto visual como formal. Cada uno de los actores tiene sus particularidades, unas propias del personaje, otras de sus capacidades físicas, que los hacen compatibles e incluso complementarios a la hora de ejecutar las cuidadas coreografías (hay momentos realmente impactantes, como el de la muerte del comendador). También hay que destacar la facilidad con la que cada uno de ellos cambia de registro y entra y sale del personaje al actor, consiguiendo que el espectador no se despiste en ningún momento.


Me gustaría destacar, dentro de un elenco en el que todos están a gran nivel, la vis cómica de Queralt Casasayas que interpreta a Pascuala y Cimbranos, y que en sus alegatos fuera de estos personajes nos deja auténticas joyas con las que el público no deja de reír. El contrapunto lo da Marc Pujol dando vida al comendador, el personaje "más serio" de la obra y al que el actor dota de una presencia muy señorial por momentos, y muy malévolo en otros. También muy destacable la interpretación de Martí Salvat dando vida a Mengo, que hace las veces de narrador de la historia y protagoniza alguno de los momentos más brillantes del montaje. Por su parte Marc Naya interpreta a Flores y Ortuño, siendo el único personaje que transita entre el comendador y el pueblo de Fuenteovejuna. Mireia Illamola como LaurenciaMarc Rius en el papel de Frondoso, los dos enamorados que hacen saltar las alarmas contra el comendador, nos dejan momentos de gran belleza plástica en sus escenas conjuntas. Hay que destacar también la escena de la vejación del comendador a Laurencia, por su contundencia, belleza y sencillez. Completa el elenco. Xavi Torra como Esteban, padre de Laurencia.




No podemos dejar de hablar del espléndido trabajo de Marta Hervás como asesora de movimiento, creando momentos de una estética muy contundente, llenos de plasticidad y fuerza. El trabajo de Hervás es fundamental en el montaje, ya que el trabajo de elenco es, sin lugar a dudas, la pieza fundamental sobre la que se asienta la obra. En la parte técnica hay que hablar del espacio escénico que ha sabido crear Adriá Pinar, teniendo en cuenta que partía de base con un "decorado" fijo como es el corral de comedias. Dos escaleras, una mesa y unas sillas colocadas estratégicamente le sirven a Pinar para crear la escenografía, con el apoyo de carteles que se despliegan el momentos puntuales. Por último hay que hablar del singular vestuario diseñado por Eli Siles, que descontextualiza totalmente a los personajes, algo necesario para un montaje que se mueve tanto entre la obra y su reflejo en la actualidad.


Poco más nos queda que desearle suerte a la obra en sus próximos destinos, por la dificultad de un montaje como este en los tiempos que corren. Y desde aquí animaros a que disfrutéis de la apretada programación del Corral de Cervantes, un espacio efímero que nos alegra los veranos y que nos propone versiones muy particulares de los clásicos. Volvamos a los teatros. LA CULTURA ES SEGURA, no dejemos de recordarlo. Mucho ánimo y actuemos con sentido común, esto depende mucho de nosotros.
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Teatro: Corral de Cervantes
Dirección: Paseo de la Chopera s/n, frente al Palacio de Cristal.
Fechas: Del 11 al 22 de Agosto. De Martes a Sábados a las 19:00.
Entradas: Desde 12€ en corralcervantesatrapalo.


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