Llega a la sala roja de los Teatros del Canal una de las obras más esperadas de la temporada. Los geniales Nao Albet y Marcel Borrás nos proponen una nueva peripecia escénica en la que sumergirnos y disfrutar de lo lindo. La pareja más gamberra del panorama nacional se atreve con su primera ópera para rendir homenaje a los especialistas de cine. Una obra descomunal, que entretiene, divierte y deja un gran poso, tanto por la ejecución como por el contenido. Una vez más, estos genios vuelven a sorprendernos y ponen a toda la platea en pie para agradecérselo.
Comenzaré esta reseña declarándome fan incondicional del trabajo de estos dos jóvenes catalanes. Me parece que con cada nuevo proyecto no dejan de sorprendernos, aunque vayamos conociéndoles y sepamos que son capaces de cualquier cosa. Ya el año pasado vimos como se despedían del público con la fantástica "De Nao Albet y Marcel Borrás" en la que hacían un recorrido por su trayectoria y se despedían como pareja creadora. Pero en este juego metateatral ellos ya dejaban pistas de lo que tenían entre manos, con pequeños guiños al poder hacer una ópera juntos. Todo nuevo giro al que se enfrentan estos creadores parece más inverosímil que el anterior, pero aún así siempre salen ovacionados.
Esta pareja de talentosos creadores, sin haber cumplido los cuarenta tienen una carrera repleta de éxitos, con los que nos han ido sorprendiendo por su manera de crear, próxima a cineastas como Tarantino (maravillosa su aparición en esta obra), Haneke o los hermanos Coen. Debutaron en el Teatre Lliure con 15 años con la pieza "Teenager Experience: Straithen con Freigthen" con la que hicieron saltar por los aires la escena teatral de la ciudad Condal. Dos adolescentes arrasaban y proponían cosas diferentes y que engancharon al público desde el primer momento. En esta obra vuelven a su formato más grandioso, tras su "minimalista" (al menos en lo que al espacio escénico se refiere) obra anterior. En este regreso a las explosiones y las grandes producciones, se adentran en la ópera, pero como era de esperar de una forma nada convencional. Un delirio que sirve de homenaje a los especialistas del cine, a la vez que nos hacen un alegato sobre el dolor, la violencia y la masculinidad... ¿Qué es ser un hombre? Una nueva genialidad de una pareja inclasificable e inigualable.
Esta coproducción de Teatre Lliure, Gran Teatre del Liceu, Teatros del Canal y Teatro Real de Madrid, es un paso más en la vertiginosa carrera de estos jóvenes creadores, casi podríamos decir que un salto al vacío, al explotar universos desconocidos (o al menos no tratados con anterioridad). Tras obras monumentales como "Mammon", "Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach" (Premio Max a la mejor dirección de escena en 2021) o "Falsestuff. La muerte de las musas" (por la que ganaron el Max al mejor espectáculo en 2024), en esta ocasión nos hablan de los estereotipos de la masculinidad poniendo en el centro a los especialistas de cine (conocidos como stuntmen), para llevarlo todo al extremo, con su particular visión de la vida y con su humor irreverente. Como ocurre en todos sus montajes, ellos escriben, dirigen y actúan. Y como es habitual, nos regalan un espectáculo rompedor, inclasificable, original, divertido, macarra, explosivo y muy punky. Da igual el formato que utilicen, la temática o las herramientas que manejen, su ingenio para contar las cosas desde un lugar que bordea el surrealismo y el esperpento, hace de cada nuevo montaje toda una aventura.
Es difícil poder explicar en unas líneas el cúmulo de emociones y la cantidad de contenido que podemos ver en cada escena de esta obra. Desde escenas de corte más clásico a portentosas coreografías de peleas, de secuencias rozando el esperpento a otras que dejan reflexiones casi filosóficas. La obra nos recuerda por momentos a películas de los Monty Phyton, con esos sketchs vertiginosos de diálogos tan ingeniosos y mordaces que querríamos apuntarlos para poder analizarlos en profundidad. De ahí saltamos a vertiginosas secuencias de acción, momentos surrealistas con Tarantino como protagonista, la aparición de superhéroes de diverso pelaje caricaturizados de la forma más vehemente, todo ello intercalado con momentos operísticos que sirven casi de descanso entre cada secuencia. Innumerables momentos de la obra quedarán en nuestro recuerdo. La escena de la carnicería, la secuencia de la sombra, o las ya nombradas de los superhéroes o Tarantino. Todo plagado de una absurda coherencia fantástica, de la sublime desfachatez que convierte todo en un grandioso juego, en una atracción de feria, en una broma en la que todo cabe y cuanto más estrambótica sea mejor.
Los cimientos sobre los que Nao y Marcel cimentan este nuevo proyecto son los mismos que les han encumbrado como unos talentos prodigiosos. A pesar de que la historia gira en torno a la violenta venganza de una madre tras la trágica muerte de su hijo, la propuesta está planteada desde la sátira, como una gran fiesta metateatral, en la que la línea que separa la realidad de la ficción se difumina por momentos, todo plagado de escenas espectaculares, con escenas de acción y efectos especiales. Una obra presentada como una ópera, pero que se convierte en un artefacto mucho más complejo, en el que todo cabe, desde la música a la acción, desde la protesta a la reivindicación, con una interesante y profunda reflexión sobre la masculinidad y la figura del héroe. En esta ocasión cuentan con la colaboración de Fernando Velázquez (creador de muchas bandas sonoras) para crear la composición musical, un aliciente para crear ese lenguaje cinematográfico que tanto gusta al dúo catalán.
La obra sirve como homenaje a esos especialistas (los conocidos stuntmen) tan importantes en el mundo del cine, esos que ponen el cuerpo en las escenas más peligrosas, en lugar de los actores más valorados. El espectáculo se convierte en una fiesta de peleas, explosiones, saltos y piruetas. Todos los estereotipos masculinos que son ridiculizados a lo largo del montaje. Todo comienza con una brutal matanza de un adolescente en un instituto. Un punto de partida espectacular y que sirve de prólogo a lo que está por venir. A partir de ese suceso, Evangelina (la madre del joven que ha perpetrado la matanza) inicia un viaje sin retorno para intentar comprender lo que le ocurrió a su hijo. Una peculiar búsqueda en la que se encontrará con los personajes más peculiares.
Nao Albet contaba en la rueda de prensa de presentación que en esta obra buscaban hablar sobre esta masculinidad tóxica del patriarcado que nos atraviesa a todos. Lo que pretendemos poner en tela de juicio es la inherente violencia que aparece en los comportamientos humanos y claramente masculinos. Marcel Borras explicaba que la obra va de poner el amor por delante de la violencia, mientras Nao añade que nos parecía interesante poner en el centro a una mujer. La madre observando, intentando comprender, tratando de descifrar el funcionamiento de ese universo masculino.
En esta aparentemente caótica propuesta, en la que todo encaja a la perfección, se mezclan los intérpretes los especialistas y los cantantes con una armonía asombrosa. Un juego en el que todos realizan diferentes papeles e intercambian los roles. Nao Albet y Marcel Borrás ejercen de narradores, además de interpretar pequeños papeles de la trama. Les acompañan Núria Lloansi (en el papel principal de Evangelina), Óscar Dorta, Carlos Robles, Óscar Pérez, Marc Padró, Mael Borràs-Clotet y Cadmi Albet-Tamarit. En la parte de los especialistas tenemos a Daniel Domínguez, Andreu Kreutzer, Ander Muñoz, Adrià Rosell, Pablo Sacristán, Emiliano Sosa, Nativo Suárez y Yeray Vesga, todos ellos contándonos su particular historia a la vez que nos deleitan con sus habilidades. Todos ellos conviven en escena con los cantantes Marifé Nogales (5 y 11 de junio)/ Sandra Ferrández (mezzosopranos), Gabriel Díaz (contratenor), Gabriel Díaz (contratenor), Vicenç Esteve Madrid (tenor), José Ansaldi (tenor) y Josep Ferrer (bajo). Este complejo montaje se completa con la música de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), bajo la dirección musical de Fernando Velázquez (creador de toda la partitura).
Como cada montaje de Nao y Marcel, el despliegue técnico resulta prodigioso. Prodigiosa escenografía la creada por Max Glaenzel, que recuerda a la típica entrada de un instituto (también a "Historia de una escalera"). Fabulosos juegos de escena con el telón haciendo las veces del obturador de una cámara de cine, cambiando la escala de la escena, para volver acto seguido a lo grandioso. Un ejercicio fastuoso e hipnótico, en el que cada nueva propuesta es más alocada y divertida que la anterior. A esto hay que sumarle los efectos especiales creados por In Extremis y la prodigiosa iluminación de Andreu Fábregas, que se apunta a esta vorágine con todo tipo de cambios, colores e intensidades. Mención aparte para el vestuario creado por Silvia Delagneau. Me imagino la gozada que habrá sido poder inventar todo el vestuario de esta obra, que lo abarca todo y en la que hay mucho margen para la inventiva. Todo un regalo que Delagneau resuelve de forma magistral.
En definitiva, Nao y Marcel han vuelto a demostrar de lo que son capaces, creando una obra mastodóntica, monumental, con la que se enfrentan a géneros que no habían trabajado antes con el mismo éxito que sus propuestas anteriores. Con sus señas de identidad vuelven a sorprender a todo el que haya ido a disfrutar de esta desconcertante y divertida pieza, en la que no falta de nada. Por poner una pega, diría que han estado muy pocos días para lo impresionante de la propuesta. Esperemos que vuelvan pronto, con esta o con una propuesta nueva. Siempre es de agradecer que Albet y Borrás sigan haciéndonos disfrutar y explorando nuevos lugares en los que crear.
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Teatro: Teatros del Canal. Sala Roja
Dirección: Calle Cea Bermúdez 1.
Fechas: Del 2 al 14 de Junio. De Martes a Sábado a las 20:00. Domingo a las 19:30.
Duración: 1 hora 50 minutos (sin intermedio).
Entradas: Desde 9€ en Teatros del Canal. PROGRAMA.
Aviso: efectos de humo, tiros y luces estroboscópicas
FICHA ARTÍSTICA
Ópera contemporánea
Estreno en la Comunidad de Madrid
Creación Canal
País: España
Idioma: español, italiano, alemán e inglés (con sobretítulos en español)
Duración: 1h y 50 min (sin intermedio)
Aviso: efectos de humo, tiros y luces estroboscópicas
Música: Fernando Velázquez
Libreto y dirección: Nao Albet y Marcel Borràs
Dirección musical: Fernando Velázquez / Rubén Díez
Escenografía: Max Glaenzel
Vestuario: Sílvia Delagneau
Iluminación: Andreu Fàbregas
Ayudante de dirección: Anabel Labrador
Ayudante de escenografía: Mariona Ubia
Ayudante de vestuario: Manuel Mateos
Asistente a la dirección musical: Rubén Díez
Asistencia a la dramaturgia: Gabriel Ventura
Pianista asistente: Laura de Aranzana
Coordinador de especialistas: Óscar Dorta
Efectos especiales: In Extremis
Alumno en prácticas: Roc Morella (ITB)
Intérpretes: Óscar Dorta, Carlos Robles, Óscar Pérez, Nao Albet, Marcel Borràs, Núria Lloansi, Marc Padró, Mael Borràs-Clotet, Cadmi Albet-Tamarit
Cantantes:
Sandra Ferrández / Marifé Nogales (5 y 11 de junio), mezzosopranos
Gabriel Díaz, contratenor
Vicenç Esteve Madrid, tenor
José Ansaldi, tenor
Josep Ferrer, bajo
Especialistas: Daniel Domínguez, Andreu Kreutzer, Ander Muñoz, Adrià Rosell, Pablo Sacristán, Emiliano Sosa, Nativo Suárez y Yeray Vesga
Voz en off: Julián Villagrán
Orquesta: Joven Orquesta Nacional de España (JONDE)
Confecciones
Javi Navas (guerreras), Manuel Mateos (héroes) y Taller d’escenografia Castells (ambientación de sangre)
Agradecimientos
Indi Gest, María Adell, Pedro Azara, Laura Cabello ‘Topo’, Aina Clotet, Jaume Garrós, Anna Iñigo, Alfredo Ramos, Valentina Viso, Blanca Valletbó, Jokin Piquer y Joan Serinyà
Menciones
Cartel tratado con IA, fotografías Marta Mas Girones.
Una coproducción de: Teatre Lliure, Gran Teatre del Liceu, Teatros del Canal y Teatro Real de Madrid
Con la colaboración de la Joven Orquesta Nacional de España
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