Hay
acontecimientos cuya probabilidad es tan pequeña que se les llama accidentes.
Los accidentes necesitan una explicación. Mirar atrás. Encontrar el despiste,
el fallo lógico, el error. Entender. Y aprender. La escritura es de precisión
vertiginosa, y combina teatro documental, poesía y suspense. El hecho histórico
es una metonimia de nuestra época: la ilusión de control y la inquietante
certeza de que la Historia cambia por la suma de detalles aparentemente
insignificantes.
Juan Mairena recupera en el Teatro Fernán Gómez
una de las aventuras más curiosas de la Residencia de Estudiantes. Una comedia
surrealista que mezcla el Tenorio, el humor absurdo y la amistad de unos
jóvenes que todavía no sabían que iban a cambiar la historia del arte.
Hay que tener mucha imaginación y ganas de jugar para
coger el Don Juan Tenorio de José Zorrilla, uno de los grandes clásicos
de nuestro teatro, y empezar a desmontarlo como si fuera un juguete. Pero si
los responsables de semejante ocurrencia son Luis Buñuel, Salvador Dalí y
Federico García Lorca, la cosa empieza a tener bastante sentido.
Eso es lo que recupera La profanación de Don Juan (Delirio de Buñuel, Dalí y Lorca), la nueva producción propia del Teatro Fernán Gómez, que puede verse en la Sala Guirau del 29 de octubre al 1 de noviembre. Una propuesta escrita y dirigida por Juan Mairena que nos lleva hasta el Madrid de 1924 para conocer uno de los episodios menos divulgados de la Residencia de Estudiantes.
El ballet de Kiev presenta en el Teatro Lope de Vega de
Gran Vía una de las grandes joyas de la danza clásica, una historia de amor,
traición y encantamiento en la que la música de Chaikovski, la elegancia del
movimiento y la belleza del vestuario se convierten en protagonistas.
Hay historias que, por mucho que pasen los años, conservan
intacta su capacidad para emocionar. "El lago de los cisnes" es una de ellas. La
obra maestra de Piotr Ilich Chaikovski vuelve a desplegar su universo de
romanticismo, fantasía y tragedia en el Teatro Lope de Vega de Madrid, donde el
Ballet de Kiev presenta su particular interpretación de uno de los títulos más
reconocibles de la historia de la danza.
"Los años maravillosos" llega a
la maravillosa y acogedora sala El Umbral de Primavera después de su
paso por el Off West End londinense y el Festival Fringe de Edimburgo. Diego
Beares construye una pieza íntima y fragmentaria a partir de una entrevista
realizada a su madre en 1971. Un montaje sobre la memoria, las imágenes que
dejamos atrás y la distancia que se abre entre la persona que soñamos ser y
aquella en la que finalmente nos convertimos.
¿Existe un lugar después de la vida?
Amelia, una niña de 9 años, está jugando a con su hermano, pero en un instante
lo pierde de vista y acaba en un sitio desconocido. Allí se encontrará con un
grupo de personas extrañas y muy diferentes entre sí. Parece que algunos de
ellos llevan ahí demasiado tiempo. Poco a poco, irá conociendo más a fondo este
lugar, entendiendo su nueva vida y lo que atormenta a esta gente después de
tantos años. ¿Y si todo lo que nos preguntamos en vida no se llega a resolver
una vez muertos?
¿Cómo se lidia con la eternidad? XOXO,
tus muertos es una mirada brutalmente cómica, honesta y desquiciada sobre la
muerte, con unos personajes que nos sacudirán como les dé la gana.
Hay espectáculos que
parten de una gran historia y otros que convierten la vida cotidiana en algo
extraordinario. Paloma Calle que se calle pertenece a esta segunda
categoría. La actriz, dramaturga y creadora madrileña sube al escenario para
contar su propia historia, pero lo hace de una manera tan cercana y honesta
que, antes de que el espectador sea consciente, ya está reconociéndose en muchas
de las situaciones que se narran.
En una cartelera institucional que a menudo alterna entre revisiones de repertorio y dramaturgias de corte más convencional, "Tinieblas", la nueva creación de Edurne Rubio para el Centro Dramático Nacional, introduce una propuesta que se desplaza conscientemente de los códigos habituales. Presentada en el Teatro Valle-Inclán, la pieza se sitúa en un territorio híbrido entre la instalación, la performance y el teatro, articulando una experiencia escénica que cuestiona las formas tradicionales de percepción.
A veces una herencia no es una casa, ni un objeto, ni siquiera algo que
hayas pedido. A veces es algo mucho más difícil de colocar: una historia, un
silencio, una forma de mirar el mundo. De eso va "Yo solo quiero irme a
Francia", la obra de Elisabeth Larena que se ha podido ver en el Gran Teatro
Pavón y que, bajo una apariencia sencilla, acaba tocando temas bastante más
profundos de lo que parece al principio.
En un tiempo en el que el éxito parece medirse por visualizaciones, seguidores y segundos de atención, Guayominí, el nuevo texto de Laura Garmo dirigido por Pablo Martínez Bravo en Nave 10 Matadero, llega como una comedia afilada, incómoda y profundamente actual sobre el fracaso público y la devastación privada. Bajo la apariencia de una sátira pop sobre el universo de los concursos musicales televisivos —con una referencia inevitable al imaginario eurovisivo—, la obra termina revelándose como algo mucho más profundo: una reflexión amarga sobre la identidad, la necesidad de aprobación y la violencia silenciosa de vivir expuesto a la mirada ajena.
Malena Alterio y Carmen Ruiz encarnan a dos amigas, con unas vidas ordinarias. La amistad y la literatura irrumpen como algo extraordinario. Quizás un milagro.
Llevar la distopía de George Orwell al teatro es,
de entrada, un acto de valentía o de temeridad. ¿Cómo trasladas el monólogo
interno de Winston Smith y la inmensidad asfixiante de Oceanía a las tablas? El
Fernán Gómez ha apostado por la versión de Javier Sánchez-Collado y Carlos Martínez-Abarca (que también dirige) y la elección no podría ser más acertada. No es una
traslación lineal; es una deconstrucción temporal que juega con el
espectador, saltando entre el presente, el pasado y un futuro que ya parece nuestro "ahora".
El Teatro Español nos acerca a la figura de
Carmen de Burgos con una pequeña adaptación del libro que lleva el mismo
título. Una propuesta íntima, sin grandes artificios pero una experiencia de
escucha magnífica.
Un acto de escucha profunda, como el que Carmen supo construir hace más de cien años.
Constelaciones es una obra de teatro contemporánea que explora la relación entre X, una física cuántica, e Y, un apicultor. Su encuentro parece casual, pero se plantea la historia a través de la teoría de los universos paralelos y del concepto del multiverso, mostrando cómo una misma relación puede desarrollarse de formas radicalmente distintas dependiendo de pequeñas elecciones, circunstancias o coincidencias.
Cuando el teatro decide cruzar la puerta del aula
El Teatro María Guerrero acoge
Grito, boda y sangre, un espectáculo que no se limita a revisitar el universo
de Bodas de sangre, sino que se atreve a algo más ambicioso: pensar el teatro
como un espacio verdaderamente compartido. No como un lugar al que “se accede”
con adaptaciones puntuales, sino como un territorio común donde todas las
personas —sordas y oyentes— pueden encontrarse en igualdad de condiciones.
PLAY (del inglés play, sig. reproducir
audio/video, juego, jugar, obra de teatro, interpretar, tocar música, acción,
simulación) es una investigación escénica, creada e interpretada por Matías Umpierrez,
sobre los discursos de odio, los modos de habitar el poder, el infierno y el
paraíso de la conciencia. Todo ello en el espacio de Contemporánea Conde Duque.
Un enjambre de preguntas para todas las edades
En la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán, el Centro Dramático Nacional presenta "ZUM. Crecerá un jardín", fruto del encuentro entre la compañía Los Bárbaros y el proyecto pedagógico Nuevos Dramáticos, en el que participan 23 niñas y niños de entre 8 y 10 años. El resultado: un auténtico enjambre de preguntas que no entiende de edades.
El Teatro Español acoge esta temporada "Duermen entre dos aguas", adaptación de Sara Mérida a partir de la novela de Carmen Kurtz. La obra se instala en un terreno movedizo, donde los recuerdos emergen como elementos inesperados y la memoria se despliega sin orden ni jerarquía. No estamos ante un relato compacto ni ante un drama cerrado, sino ante una experiencia fragmentaria que exige del espectador paciencia, escucha y disponibilidad emocional.
Hay funciones que te dejan con la sensación de haber estado mirando a alguien muy de cerca, tanto que acabas viendo tu propio reflejo. Eso pasa con "Dibujo de un zorro herido", el nuevo trabajo de Oriol Puig Grau, que estos días ocupa la Sala Princesa del Teatro María Guerrero, dentro del Centro Dramático Nacional.
El cuerpo como archivo, la voz como legado
"Te quiero contar lo que empieza, cuando todo termina", dice la actriz Ana Wagener al comienzo de Laurencia. Aitana Galán dirige este texto original de Alberto Conejero, que trae a escena a una Laurencia crepuscular, extraída de la obra de Lope de Vega, dispuesta a repasar los principales hitos de su vida antes de dar su último adiós. La guitarrista flamenca y compositora Antonia Jiménez acompaña a la actriz en este espectáculo recital, nueva producción original de la CNTC.
En el Teatro Marquina de Madrid se representa una de las propuestas teatrales más ambiciosas de la temporada: ‘Memorias de Adriano’, adaptación escénica de la célebre novela de Marguerite Yourcenar. Publicada en 1951, la obra literaria se convirtió en un referente por su manera de dar voz al emperador romano desde la intimidad, en un tono confesional que explora la grandeza y la fragilidad del poder. Ahora, gracias a la dramaturgia de Brenda Escobedo y la dirección de Beatriz Jaén, este texto cobra nueva vida en las tablas, con un reparto encabezado por Lluís Homar, uno de los grandes intérpretes de nuestro panorama escénico.
