La pérdida de la memoria es como ir perdiendo la vida poco a poco. Ya no sabemos quienes somos, quienes son las personas que nos rodean, el lugar en el que vivimos,... ni donde hemos puesto nuestro querido reloj de pulsera. Llega al Teatro Bellas Artes esta contundente pieza en torno a la vejez y la pérdida paulatina de todo lo que nos hizo lo que somos. Este proceso doloroso (tanto para el que lo sufre como para quienes le rodean) nos hace cada vez más vulnerables y dependientes, por mucho que el afectado sea el último en verlo, o en querer asumirlo. Adentrémonos en este viaje a la incertidumbre del Alzheimer.
Llega el final de la temporada, y que mejor que un montaje apocalíptico y catastrofista para terminar con el mundo que conocemos y empezar con uno nuevo en el mes de Septiembre. Uno de los montajes más esperados de la temporada llega para reventar conciencias, hacer saltar por los aires a toda una generación, para dar el testigo a esas nuevas generaciones que solo han visto como su planeta se destruía por culpa de la raza humana. Ellos, esas nuevas generaciones comprometidas con el ecologismo, con el feminismo, que no dudan del cambio climático y si de muchas cosas que nuestras generaciones anteriores dábamos por supuestas. Vienen a cambiarlo todo, a hacer volar por los aires el mundo que conocimos, o al menos el tipo de sociedad que solo sabe guiarnos hacia la autodestrucción. Es hora de dejarles el relevo y aprender de ellos.
Las Naves del Español nos brindan la posibilidad de
ver Coronada y el toro una obra escrita por Francisco Nieva hace casi 50 años y estrenada en 1982. Lo que nos da una idea de la capacidad
creadora del autor. Una magnifica oportunidad de reivindicar su figura.
Siempre que voy al teatro me gusta ir unos minutos
antes y si es posible -como en este caso- analizar el escenario, la decoración,
los objetos.
El mundo de las empresas siempre es un universo oscuro, marcado por las manipulaciones, las exigencias máximas, las coacciones, las imposiciones, las continuas luchas por ascender o simplemente por mantener el puesto. Este duelo interpretativo portentoso nos plantea esa vehemencia con la que el poderoso trata al subordinado, esa falta de escrúpulos en la que vale todo con tal de conseguir las metas deseadas. Un thriller que nos hará reflexionar sobre una sociedad en la que nos vemos abocados a bajar la cabeza por miedo a perder lo poco que tenemos.
De la mano del CDN llega este texto escrito en el marco del programa de Residencias Dramáticas del Centro Dramático Nacional durante la temporada 2020-2021.
Afrontar un clásico de esta magnitud tiene sus inconvenientes, ya que hay mucho que perder. Pero existen temas inherentes en cualquier obra de este calibre, que permanecen de actualidad a lo largo del tiempo, dándole una mayor vigencia a la obra en cuestión. Esta nueva propuesta en torno al Macbeth de Shakespeare nos pone frente a unos personajes "infectados" por la avaricia, enloquecidos por sus ansias de poder, sobrepasados por el impulso de convertirse en lo que no son, en apoderarse del mundo, en ocupar un lugar que no les corresponde. Todo esto provocado por la ceguera que conlleva el poder y la avaricia, un montaje que nos muestra como la sociedad sigue sufriendo los mismos males, siendo indiferente la época en la que transcurran los hechos.
Las guerras, esos sádicos negocios que dejan muchas víctimas y de lo que se aprovechan gente sin escrúpulos para hacer negocios y enriquecerse. Siempre que hay un conflicto de este tipo hay mucha gente que sufre, que lo pierde todo (incluso la vida), pero existe un pequeño grupo de personas que desean que la guerra continúe para hacer negocios, para aprovecharse del mal ajeno y así enriquecerse. Siempre hay dos caras de una moneda, incluso en las situaciones más dramáticas.
Adentrarse en el sórdido mundo de las novelas del escritor Roberto Bolaño es bajar a los infiernos del ser humano, transitar los inhóspitos lugares que forman su ideario como quien camina por arenas movedizas, en un terreno que sabemos peligroso pero a la vez nos seduce. Historias que indagan en lo más profundo de la mente, en los más perversos deseos, en la parte más animal e irracional que nos hace actuar por mero instinto, por impulsos que nos llevan a lugares desconocidos.
Los viajes pueden llegar a cambiarte la vida. Una visita a una amiga, situaciones vitales fronterizas, pueden convertir unas vacaciones en una evolución, en un cambio de piel, en una metamorfosis que haga que la vida de un vuelco para siempre. La vida te lleva por lugares que desconoces y llevada por el viento te dejas empujar hacia parajes desconocidos, la brisa marina te guía a aventuras fantásticas, el levante que todo lo cambia y nos vuelve a todos un poco locos.
Asistimos en el Teatro María Guerrero, a “El Idiota”
una de las obras catalogadas como la mas brillante publicada por el autor ruso Fiódor
Dostoyevski. Pareciera como si toda la
obra estuviera impregnada de su vida y su ser, una vida convulsa y gris, siendo
testigo y víctima de la represión zarista, azotado por los males de la época,
transitando una vida oscura, que quizá nunca hubiera elegido, periodos oscuros,
macabros que le sacudirán de por vida en forma de ataques epilépticos, un hecho
que marcará por completo su obra hasta llegar a describir cada fase de la
enfermedad.
En
las siguientes líneas les contaremos como una obra de ochocientas páginas ha
sido versionada y reducida de un modo inigualable y magistral en un libreto de
dos horas, sin que increíblemente pierda un ápice de la esencia y el sentir del
autor. Tantas veces vimos los análisis del Don
Quijote ruso y quedamos maravillados al poder presenciarlo, verlo a tan solo unos
palmos de nuestras butacas, aquel al que todos toman por loco y de loco es el
mas cuerdo, el que sabe ver más allá de lo que otros ven, si bien con
características del todo mas profundas y existenciales.
Se
lo contamos.
El príncipe Myshkin de
Dostoievski es el último miembro de una familia noble y arruinada.
Padece, como el propio autor y como el Smerdiakov de los Karamázov,
ataques epilépticos. Sus pasiones son extremas, tiene una personalidad
angustiada y una ardiente necesidad de amor, posee un orgullo sin límites y se
deleita la mayoría de las veces en ser humillado. Infinitamente soberbio, se
complace en su propia superioridad y en la manifiesta indignidad de los demás.
Un personaje que en un primer momento nos situaba en una suerte de ascetismo,
hasta que entendimos que la falta de prejuicios morales impuestos, hacía que el
príncipe Myshkin quisiese a dos mujeres de modo completamente desigual, un ser
sin maldad incapaz de sentir odio y de conquistar el corazón de la gente que le
rodea.
No alcanzamos a imaginar
la labor de análisis, documentación, empatía y acercamiento que hay detrás del
trabajo de José Luis Collado en el que podemos catalogar como uno de sus mejores
trabajos. Mejor si cabe que Los hermanos Karamázov, inmerso en el universo Dostoyevski,
Collado ha sabido escoger los episodios
mas certeros no dejando escapar ni un solo detalle que desestructure o limite
la obra, ha situado perfectamente el contexto histórico,
enlazando a la perfección la trama que el autor quería contar sin dejar a un
lado la psicología de los personajes, sin prejuicio alguno pudiendo llegar al
ser mas profundo de todos ellos, sin que nada quede en la superficie. Ingredientes
y matices que hacen de esta una versión cum laude.
A
su lado, conjurando un tándem sublime Gerardo Vera dirige una puesta en
escena lúcida y ecléctica al mismo tiempo, las luces y sombras de la sociedad y
el alma, la negritud de una época, la crítica a una sociedad que destila hedor.
El propio Gerardo Vera contaba en una entrevista que se había basado en una
de las frases del personaje principal, quizá como aquellas que son un mantra en
la elaboración de un trabajo bien hecho “estoy fuera del mundo,
desterrado del mundo, si fuera posible desaparecer de aquí en un instante y
empezar una nueva vida, desearía que todos me olvidaran. Qué maravilla si no os
hubiera conocido, si todo esto no hubiera sido como un mal sueño” y pareciera efectivamente la piedra
angular que persigue al protagonista durante las dos horas aproximadas de
función cuando a su alrededor solo ve miseria humana, miseria en la mentes y
en los corazones.
Ambos se acompañan de un elenco que
nos sobrecoge y asombra a partes iguales.
Fernando Gil en una interpretación magistral del príncipe Myshkin, el actor
desplegará un arsenal de recursos que nos conducirán de la mano hasta lo mas
profundo de su ser, transmitiendo la inocencia, la desolación, la lucidez y
el hastío mas absoluto todo en un mismo personaje, todo de la mano de un solo
actor, es al acercarse al patio de butacas en una decisión muy bella que en
próximas líneas les contaremos, veremos su gesto, veremos verdad, debilidad y
lucha al mismo tiempo. Un personaje que no es nada, pero que no se rinde, de su
mano constante aunque no se encuentre
con él en escena, Marta Poveda.
Marta Poveda en el papel de Natasia que parece transitar como un fantasma en la cabeza de Myshkin, aparentemente fuerte, pero al albur de una sociedad y unos hombres que no la respetan y que no creen en ella, en una línea muy fina hacía el respeto a sí misma, pero que no acaba de concluir. Poveda realiza un bello trabajo de dicción y presencia escénica , tanto en los soliloquios como en los juegos dialecticos con su compañero de elenco Jorge Kent interpretando a Rogozhin, encaprichado de Natasia no dudará en dar toda su fortuna por ella, una suerte de ser delirante que nos llevará a la impotencia y la rabia en muchas de sus apariciones, a Kent le acompaña una voz y una presencia que llenará el escenario llegando a la última fila del patio de butacas, una bestia escénica que aplaudimos desde el primer al último minuto de su aparición.
Vicky Luengo y Yolanda Ulloa formaran una hermosa combinación, la madurez de la Generala (Yolanda Ulloa) y los celos y desdenes de Aglaya (Vicky Luengo), parecen formar un todo que compacta y hace mas grandes a ambos personajes.
Alejandro Chaparro, Abel Vitón, Ricardo Joven, Fernando Sainz de la Maza completan un elenco de personajes esenciales que dan sentido y dotan de rigor histórico y social a la puesta en escena.
El artista Lucian Freud será una
constante, presente a lo largo de la puesta en escena. Álvaro Luna ha conseguido poner sobre las tablas la dualidad de la que
les hablábamos antes, la lucidez y la visión que tiene el protagonista debido a
sus constantes ataques. Nos transmite como ve el mundo desde el juego
audiovisual, un trabajo indescriptible y meritorio, junto al trabajo de Juan Gómez-Cornejo que parece que nos sitúa
en una atmosfera demoníaca, extraña y superficial, generando una tensión en el
espectador, una mágica simbiosis entre lo que vemos y lo que sentimos. Es
maravilloso cuando los técnicos no infieren negritud a la tensión y al drama y
tiñen la escena de rojizos y claro oscuros. Disculpen el modo vulgar en contárselo,
a mí, me fascina, completando un equipo redondo Alejandro Andujar responsable de vestuario, de trajes que nos sitúan en
la época espectaculares y manejables al mismo tiempo, dejando sobre todo a las
actrices moverse con soltura en escena.
Mención especial a Ana Catalina Román en movimiento escénico,
que nos ha permitido ver a los personajes tan cerca, estábamos muy cerca de su
interior y poderlos apreciar tan cerca físicamente, fue todo un acierto.
Como pueden ver, si el príncipe Myshkin
se va con Natasia, si pierde o gana una fortuna, habrán convenido con nosotros,
que es interesante descubrirlo por ustedes mismos, pero que a su vez es solo
una parte mas de una de esas joyas que no se ven todos los días. Magnéticamente
recomendable.
